【映帆音乐心情】美国甜心的个人悲欢离合与女性的崛起在音乐中与时俱进

泰勒·斯威夫特的个人新纪录片《美国小姐》一登陆网飞，就受到了全网的高度赞扬。截至2月6日，IMDB得分7.6分，腐烂番茄新鲜度92%，豆瓣菜8.7分（10039人）。

这部85分钟的纪录片聚焦于泰勒·斯威夫特的转型阶段，即泰勒·斯威夫特如何从一个创作者和表演者转变为一个能够控制“她自己的声音力量”的女性。这部纪录片从头到尾，从事业到生活，围绕“女性”和“音乐家”两个关键词，全面展现了美国甜心的音乐创作、爱情、个人冤情和政治观点。

对于歌迷来说，《泰勒·斯威夫特：美国小姐》无疑是了解这位作曲家的另一个窗口；就行业而言，这部纪录片反映了欧美音乐产业在一定时期内的变化，以及新时期音乐纪录片的一些发展趋势。

从公主到女王：美国情人的悲喜

纪录片从2018年“声誉”体育场巡回演唱会开始，台上的泰勒·斯威夫特似乎是一位超级明星。从10岁参加歌唱比赛到12岁写作，再到17岁被美国唱片业协会认证为五白金专辑的第一张同名专辑《泰勒·斯威夫特》，从默默无闻到崭露头角，泰勒·斯威夫特在七年内实现了无限星光的梦想，当她很小的时候就出名了。

从2008年到2019年的11年间，泰勒·斯威夫特又连续发行了6张专辑。其中，2008年的第二张专辑《无畏》（fearless）在2009年乡村音乐电视奖（CMT）上获得了年度最佳唱片，2010年第三张专辑《现在说话》（speak now）中的单曲《mean》（mean）在2011年第54届格莱美奖上获得了泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）的最佳乡村歌手奖和最佳乡村歌曲奖。

2012年，她的第四张专辑《红》中的单曲《我们再也不会在一起》赢得了公告牌单曲榜和乡村单曲榜；2014年，第五张专辑《1989》在发行的第一周在美国售出128.7万张，成为近12年来美国最高纪录，并于2016年获得第58张格莱美年度专辑；2017年，第六张专辑《声誉》在第一周售出123.8万张，帮助泰勒·斯威夫特成为第一周仅有400万张的歌手。

2019年，离开前公司big machine后，泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）发行了她的第七张专辑《情人》（lover），其中单曲《你需要冷静》（you need to calm down）获得了公告牌热门100强排行榜的亚军。她还以六首单曲亚军的成绩超越了麦当娜·西科内，成为历史上单曲亚军最多的女歌手。在作品和金曲的陪伴下，30岁的泰勒·斯威夫特（TaylorSwift）也拥有许多人在贫困生活中无法企及的声誉和荣耀。

然而，在镁光灯的背后，是一个被注视、被塑造、甚至被期待的主角，但可能不会受到其他人的青睐。在褪去了舞台的光环之后，她内心深处只埋藏着“连掌掴的对象都没有”的凄凉。

有些人把她的成就与披头士相提并论。彭博社2014年11月的一篇报道甚至直接将“泰勒·斯威夫特是音乐产业”作为标题。2018年格莱美奖提名日，她在沙发上坐立不安。面对没有获得普通奖项提名的情况，她坚定地说：“好吧，没关系。我只需要创造一个更好的记录。”

当她胖的时候，有人说她胖的时候不好看；当她减肥的时候，也有人说她“太好了，太瘦了”，这很烦人。她一直是镜头中的“好女孩”，实现了她小时候的梦想，但她也不断受到来自各方的攻击。

在2009年9月的VMA颁奖典礼上，在泰勒·斯威夫特上台领奖的精彩时刻，美国说唱歌手坎耶·韦斯特突然抢走了她的麦克风，然后坎耶·韦斯特在大家面前毫不留情地尽全力讽刺，我真的为你高兴，我让你说完，但是beyondé有一段有史以来最好的视频，她在19岁的时候站在舞台上，有点尴尬、无助和犹豫，认为舞台上传来的“嘘”声对她来说并不确定。

“我会努力工作，而社会可以容忍我的成功。”“人们总是说名人到了成名的年龄就受到束缚是的，我经历过这种事情。“放松点，我能应付。我年轻又有天赋。他们会在我身上看到这一点。我只想坚持下去。这就是泰勒·斯威夫特所说的“好女孩”。

但是，如果泰勒·斯威夫特过去以“好女孩”的身份出现在公众面前，为陌生人生活，为别人的眼睛而存在，甚至不能将自己的观点强加给别人，那么她可能就不再是名声后的“好女孩”。

她在“随你怎么说”中写道“所有的骗子都在叫我一个”，在“指示”中唱“我的声誉从未如此糟糕”，在纪录片中创作的新单曲“只有年轻人”中，她更直截了当地表达了“比赛被操纵，裁判被骗了”和“不要说你太累了，打不起来”。泰勒·斯威夫特不再满足于仅仅是一名乡村歌手，甚至是一名唱情歌的流行歌手，而是开始在歌词中注入更多对世界的抵制，并开始将政治问题渗透到歌词中。

《泰勒·斯威夫特：美国小姐》就像一部曲折的戏剧，以时间线和故事线的形式呈现泰勒·斯威夫特的悲欢离合。

然而，由于这是一部个人纪录片，一切都是从泰勒·斯威夫特的个人角度出发，这不可避免地给人一种“粉饰”的感觉。

正如时间线所示，摄像机中缺少的是泰勒·斯威夫特，他并不总是处于中间的道德高地上，而泰勒·斯威夫特在创作上并不完全积极。在纪录片中，泰勒·斯威夫特（TaylorSwift）和坎耶·韦斯特（Kanye West）一样，可以用她的作品来解决私人恩怨，但她从未存在过，也没有提及她与大机器唱片公司的共同成就以及最终的不幸分离。从这个角度来看，这部纪录片在泰勒·斯威夫特的观察和经历中可能有点苍白，人物塑造也相对平淡。

正如贾尼斯·乔普林（JanisJoplin）和杰夫·贾波尔（JeffJampol），这部doors纪录片的联合制片人所说，“粉丝们总是想挖掘更多偶像的细节，有趣的想法可以吸引新粉丝。”就效果而言，《泰勒·斯威夫特：美国小姐》可能更符合前者，记录了泰勒·斯威夫特从公主到女王的转变。

在“发霉”转型的背后，是女音乐家的崛起

在纪录片中，泰勒·斯威夫特不止一次强调，她应该是一个“好女孩”，在她漫长的职业生涯中，她必须“做正确的事，做正确的事”。

从被教导不要学习迪克西小鸡（一个著名的美国乡村音乐团体，因发表反对当时总统的言论而被抵制）“到“一个好女孩不会把她的观点强加给别人”，社会刻板印象或底线是“女音乐家”的身份《必须遵守》贯穿着她事业跌宕起伏中的悲欢离合。泰勒·斯威夫特无法抛开“女音乐家”的身份，实际上是女性从软弱到为自己说话的缓慢过程中的一位经验丰富的见证人，在音乐行业取得了卓越的成绩。

2014年11月，泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）在接受《时代》杂志（Time magazine）的独家采访时提到：“从来没有人质疑过我朋友埃德·希兰（ed Sheeran）写的任何一首歌。起初，我以为我们处于同一水平。后来，很明显，一些人开始怀疑女性创作者的可信度，但你必须努力证明自己真的有能力。坦率地说，这相当令人沮丧。”

同年12月，泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）在接受公告牌（billboard）采访时也提到：“如果有人听了我的歌，认为我不是原作者，那么我真的无话可说。他们可能有性别问题要处理，因为如果我是个男人，你在听我的歌和看歌词时不会有任何疑问。”

更有力的是，女性音乐人质怀疑她们的创作。英国女词曲作家伊莫金·希普（Imogen heap）曾在她的博客中写道：“泰勒·斯威夫特（Taylor Swift）可能自己没有写过几首歌，这应该由他身后的高级音乐总监控制。”很长一段时间以来，泰勒·斯威夫特一直处于被质疑作为“创造者”身份的漩涡中，仅仅因为她是一个女人。

2016年，Kanye West在歌曲“fame”中的歌词是“我觉得我和Taylor可能仍然有”，“我失去了那个名气”，以及一张像Taylor Swift的女演员在MV中躺在Kanye West旁边的照片。在某种意义上，除了个人的怨恨，它还充满了居高临下的傲慢和对女性的蔑视。

让人们感觉不幸的是，在2015年至2017年间，它是否被美国媒体追问：“你好，泰勒！你和他睡过吗，泰勒？”；或者被电视采访嘉宾讽刺说“她太优秀太瘦了，让我很不开心”；或者，当我在2015年格莱美颁奖典礼的红地毯上时，主持人粗鲁地问我：“你能把摄像机移下来吗？（腿）好漂亮！”，甚至烤，“你今晚不仅可以拿着奖杯回家，我想还有很多男人！”事实上，所有这些几乎都是羞辱。

但这绝不是一个例子。长期以来，性别歧视是欧美音乐界普遍存在的问题。无论是男性还是女性，无论是群体，甚至是女性音乐家本身，都在不知不觉中接受了这一观点。长期以来，女音乐家在娱乐业一直处于弱势，这是一个不争的事实。

2013年，美国歌手内科·凯斯在接受《sound opinion》采访时承认自己曾经是个性别歧视者，“实际上，女性制作人很少，所以公众会认为这张专辑的制作人一定是男性。例如，我有时听一些歌曲，觉得这是男性音乐家写的。下一秒我想：我的天！我真的有这个想法……包括我在内，我们必须重新思考这个想法。”

映射到音乐市场也是一样的。英国广播公司的调查发现，2017年，男性音乐家占英国音乐节表演者的70%。2018年，pitchfork报告称，在夏季23个最大的美国音乐节上，男性音乐家的比例为75%。

无论男性音乐家是否有更大的市场，或者音乐市场本身是否存在性别歧视，很长时间以来没有人考虑过这一点。被称为“音乐界的奥斯卡”的格莱美奖仅此而已。“性别偏见”一直是它备受争议的话题。根据格莱美奖的相关信息，男性在格莱美奖最重要的年度综合奖项中具有明显的优势。

此外，在音乐生产领域，“女音乐家”的边缘化现象更为明显。从1974年到2018年的44年间，只有6位女性（非古典）格莱美制作人获得提名，包括1989年的吉米·贾姆、1991年的玛丽亚·凯莉、1997年的保拉·科尔、1998年的谢丽尔·克劳和劳琳·希尔以及2003年的劳伦·克里斯蒂。其中，吉米·贾姆和劳伦·克里斯蒂被该团队提名，但这些数据并不意味着这位女性音乐制作人没有高质量的作品。

在未被格莱美认可的女性制作人中，卡拉·迪奥瓜迪是欧美音乐界最受欢迎的制作人之一。她的音乐已经出现在近一亿张专辑中。布兰妮·斯皮尔斯、凯莉·米洛、席琳·迪翁、马克·安东尼、艾薇儿·拉维尼、麦莉·塞勒斯等音乐家曾与她共事；西尔维亚·罗宾逊被誉为“嘻哈教母”；琳达·佩里、西尔维亚·梅西和艾米莉·拉扎尔也是业内著名的女性音乐制作人。

凯拉·迪奥嘉蒂

在女音乐家的职业发展中也有许多实际的束缚。获奖机构和主要唱片公司以男性为主的审美体系也在一定程度上助长了对女性音乐家的偏见。

以格莱美的组织者美国国家科学院录音艺术与科学研究院（以下简称录音研究院）为例。从1957年到2019年，共有32名高管在录音学院任职，其中只有2名女性。根据唱片学院董事会的数据，自2012年以来，男性占68%，而目前董事会中女性的比例只有35%。《格莱美》杂志从这个角度评论道：“格莱美评委年龄较大，男性和白人，这与音乐家们为未来推广的流行音乐背道而驰。”唱片学院前首席执行官黛博拉·杜加（Deborah Duga）抱怨说，唱片学院是“男孩俱乐部”。

然而，时间变了。目前，“女音乐家”不再是少数群体，也不再是“弱势群体”的关键词。一方面，由于世界女权运动的觉醒，另一方面，在互联网快速发展和日益公平的性别竞争环境的双重作用下，越来越多的女性声音受到关注。从阿黛尔到杜阿·利帕，从蕾哈娜和卡迪B到比利·艾利斯和利佐，近年来欧美音乐中女性的比例显著增加。这支队伍在各种权威名单和颁奖典礼上也占据了近一半的位置。

这些风格各异的女音乐家用自己的作品向世界宣告了自己的存在。目前，女性音乐家的重要性和地位不言而喻，社会平等意识逐渐觉醒并成为常态，泰勒·斯威夫特的转型就是其中的代表之一。

流媒体时代的音乐纪录片

作为《泰勒·斯威夫特：美国小姐》的制片人，网飞也为纪录片的推广做出了贡献。

不争的事实是，流媒体Netflix的影响已经逐渐颠覆了戏剧市场，包括王冠、13个理由、怪事、黑镜和纸牌屋(《纸牌屋》、《毒枭》等作品的问世，冲击了传统电视剧的制作模式。

在第77届金球奖的入围名单中，网飞取得了主导地位，赢得了17项电影和电视剧提名，而索尼、迪士尼和华纳的提名不超过10项。在2020年金球奖颁奖典礼的开幕式脱口秀中，主持人瑞奇·热尔韦忍不住开始了“烤”模式：“现在每个人都在看网飞。今晚，让我们说网飞做得很好，所有的奖项都是你的。”

很少有人注意到的是，Netflix在音乐纪录片市场也在做同样的事情。它的输出不仅包括个人纪录片，如发生了什么，西蒙小姐史蒂夫青木：我会睡觉当我死了，贾斯汀Timberlake和田纳西州的孩子们，加加-五英尺二，特拉维斯斯科特：看妈妈我可以飞，淘气樱桃：我与乐队回家：碧昂斯电影，阿拉希的日记航行，等等；也有行业纪录片，如嘻哈进化，东京偶像，嘻哈第一季等。

2019年4月，October film创意总监马特·罗宾斯（Matt robins）指出，Netflix等流媒体公司提高了纪录片叙事的门槛，流媒体对纪录片内容的影响在美国最为明显，尤其是在有线电视市场。

与流媒体相比，有线电视市场更为传统，更侧重于精心包装和处理的内容。现在人们意识到纪录片也可以像虚构的戏剧一样有影响力，对纪录片的投资将会增加。这种高水平的纪录片也影响了世界各地的纪录片制作人。

许多广播公司高管表示，他们希望这部纪录片“看起来像一部Netflix电影”，具有Netflix大片一贯的史诗和电影感。这也是流媒体时代音乐纪录片最重要的特征，它围绕一个主题，情节丰富。泰勒·斯威夫特：《美国小姐》是一部典型的作品。

无论是个人纪录片还是行业纪录片，无疑都侧重于对现代音乐产业的描述。它的本质不是反映音乐家本身，而是反映时代的缩影，提炼出音乐家成功或最终衰落的因素。这不仅是Netflix音乐纪录片的特点，也与音乐纪录片的整体呈现相一致。

凭借优秀的纪录片《西蒙小姐，发生了什么事以艾米为例，前者关注歌手和激进活动家的双重身份。除了描述尼娜·西蒙的音乐天赋和努力外，该纪录片还通过描绘她所在时代的种族不平等，合理地解释了尼娜·西蒙在音乐和生活中坚持平权行动，从而在一定程度上实现了音乐性和政治性的双重高度。

后者的优点在于，纪录片没有盲目地展示她的成功和悲剧，而是从多个角度拼贴和还原了艾米·怀恩豪斯的私人形象和她自我毁灭前后朋友的嘴巴。它为观众呈现了一种生活状态，让他们去思考和品味。这部纪录片背后隐藏的是导演对现代音乐产业和《名利场》生活方式的批评。他们两人都获得了第88届奥斯卡最佳纪录片提名，最终的奖项由艾米获得。

同时，互联网的全球化和流媒体的发展改变了传统的单向传播模式，为观众提供了主动搜索、选择、评论、重印、下载、收藏、喜欢等交互的渠道。实时反馈还可以实现纪录片和用户之间的互动。在通信渠道和制作系统方面，流媒体平台可以通过大数据统计更贴近用户。凭借强大的宣传渠道，提高了纪录片的传播速度，逐渐突破了原有的“精英生态位”模糊圈子，受到越来越多年轻用户的关注。而纪录片的宣传作用也得到了扩大，这也在一定程度上增加了艺术家的关注度。

以《离巨星20英尺》为例，纪录片的传播给电影中录制的无名和声歌手带来了一些新的机会，他们可以更接近自己的音乐梦想；后来，西蒙小姐和尼娜·西蒙的歌曲在音乐平台上获得了更多点击率，并为歌手赢得了更多的死后名字。音乐纪录片以影像为桥梁，使当下的流行文化和过去的流行文化都能在影像中传播这种碰撞不仅使上一代流行音乐再次脱颖而出，也使流行文化得以传承。

虽然视频流媒体提高了音乐纪录片的制作水平，但其电影化的叙事方式和广泛传播的网络内容整合也给音乐到音乐纪录片带来了一些不太纯粹的问题。在流媒体时代，如果有太多超出音乐家视角的叙事，反而会削弱音乐家自身的魅力。

《泰勒·斯威夫特：美国小姐》在一定程度上也存在这个问题。它总体上强调了泰勒·斯威夫特的政治思想，但对其政治思想来源和环境的描述过于肤浅，导致了泰勒·斯威夫特作为音乐家的政治性质的降低和泰勒·斯威夫特作为普通选民的政治性质的提高，也导致了泰勒·斯威夫特形象在一定程度上的单薄平淡。

换言之，流媒体音乐纪录片可能在材料的堆叠和多样化方面表现出色，但过多地追求内容也可能会失去音乐纪录片的真实性。

后记

自从D.A.Pennebaker在1967年拍摄鲍勃·迪伦的纪录片《不回头》以来，音乐纪录片已经成为流行文化不可或缺的一部分。它让我们能够更深入地了解自己喜爱的艺术家，也让我们了解不同时代的流行音乐文化和历史背景。

从20世纪70年代的《齐柏林飞艇：一模一样，顺其自然》到20世纪80年代的《原著：约翰·列侬》和《门：在好莱坞碗现场直播》，再到披头士：20世纪90年代的第一次美国之行和千禧年后的《寻找糖人》，各个时代的杰出音乐家通过不同的录音方法被保存在人们的记忆中。

在互联网和科技的帮助下，音乐纪录片的录制对象已经从过去只拍摄顶级艺人转变为音乐界群体形象中的单个或群体描述。叙事方法已经从过去的平淡叙事转变为更强调讲故事的力度、视角、规模和情节。它的外观展示和营销形式在一定程度上变得更具娱乐性。

然而，值得深思的是，纪录片在本质上不仅是音乐家的狂欢，更承载着一个时代的记忆和品牌。从这个角度来看，《泰勒·斯威夫特：美国小姐》可能是我们了解泰勒·斯威夫特的一个很好的切入点，但它可能是一部不会让我们分心的作品，让我们了解美国音乐产业的文化。

参考材料：

1.“女歌手厌倦了无法证明自己的音乐事业”，Roxy Rocker，2015年2月13日。翻译自Forrest wickn的《不仅仅是：女人厌倦了自己的音乐得不到赞誉》

2.Gzdoc：“流媒体太厉害了！为什么Netflix、Hulu和亚马逊都抢纪录片？”，文献观察，2019年3月15日

排版|安林

本文是《音乐先锋》的原稿。请联系我们进行转载和业务合作。

王（本报记者）

傅（中国音乐家协会荣誉会员）

金（人民音乐总编辑）

李（作曲人，代表作《七子之歌-澳门》、《弯月》）

李（歌手，代表作《传奇》、《风吹麦浪》）

编辑的话

随着时间的推移，音乐总是与时俱进。歌曲是心灵的声音，人气不等于流，而音乐的个性也要经受观众和时间的双重考验。在互联网时代，如何重新认识流行音乐？音乐创作面临哪些挑战和问题？创作如何才能更好地深入生活，歌颂时代，从古典旋律和民间音乐传统中汲取创作营养？本期邀请四位音乐行业的一线创作者和专家为读者讨论问题和分享经验。

“与其说歌曲表达了时代，不如说是时代选择了歌曲。”

记者：去年，以《我和我的祖国》为代表的爱国歌曲再次被广泛传唱，反映了音乐与时代的密切关系。几十年过去了，为什么它还能打动人们？在流行音乐中创作主要社会主题的创意是什么？

傅：与其说歌曲表达了时代，不如说是时代选择了歌曲。歌曲的流行需要一个“触发点”，这样公众才能产生广泛的共鸣和共鸣。如果一部好作品唱出了人民的声音，那么它的艺术生命将是漫长的。

金：我的祖国和我找到了一个普遍的主题和切入点，提炼出了“我的祖国和我”与“海涛合一”的关系。它适合以多种形式演唱，不像有些歌曲只适合以一种形式演唱。人、时代、艺术使歌曲具有超越时空的艺术品格。

在处理重大社会主题时，流行音乐的视角往往生动而具体。歌词从个人出发，旋律以抒情为主，风格不断变化。例如，乔在写“我的祖国””他说中国人自古以来就生活在山水相连的地方，有意识地提炼出“大河”的意思。在孩子的眼里，即使是一条小河也是一条大河。这首歌的旋律是一种流行的颜色，歌词以朦胧的诗意风格开始，“这是一条从旭日中采摘的彩虹，没有人不喜欢你的颜色”，然后直接转到主题“五星红旗，你是我的骄傲”。《大中华》的歌词朗朗上口，旋律具有民歌风格。。。随着人们的生活变得更加丰富和多样化，创作者需要找到一个更巧妙的切入点。

李：音乐语言应该以情感作为连接歌词和旋律的纽带。情感越接近，就越能引起共鸣。在为《七个儿子——澳门》作曲时，我把闻一多的原诗《我离开你妈妈太久》改为《我离开你妈妈太久》，保留了原意，更容易演唱。“瓜塔板”踏上石街的声音和澳门“三大巴士”牌坊的钟声都成为这首歌的创作素材和灵感来源。渐渐地，在孩子们向母亲坦白的声音中，它平静地结束在“母亲，母亲”的耳语中，形成了一种自然的情感流。澳门回归祖国已经21年了。如今，这首歌被时代赋予了更丰富的内涵。

记者：流行音乐不仅是一种音乐艺术形式，而且具有大众文化的意义。如何从音乐本体和文化传播的角度来认识和理解流行音乐？流行音乐吸引观众的根本魅力是什么？

傅：流行音乐的创作和演唱，从广义上讲就是传播和演唱。我们不应该缩小“流行音乐”的范围。被广泛传唱并具有积极意义的歌曲都是流行音乐和流行音乐。

关注流行音乐不仅是在技术迭代、传播创新和表演形式创新的层面上，更是在其社会价值和人文价值上。流行音乐之所以吸引公众，是因为它反映了人们普遍的情感体验，唱出了人们心中的“主旋律”。

李海英：当音乐成为时代的见证，你可以经常听它，成为新的。流行音乐的创作取向是引领大众审美和产业发展的关键。没有创新就没有流行音乐。创新是流行音乐的魅力和力量。创作者不应该为自己设定固定的模式，而应该广泛地汲取灵感，勇于创造。

李：流行音乐的中心词是“音乐”，它应该符合音乐的艺术属性，而不仅仅是“流行”。一首好歌的标准是浅层次的悦耳，最高层次的打动人心。流行音乐具有独特的魅力，因为它兼顾了音乐和文学两大艺术原则。创造者不仅要掌握节奏，还要掌握文字，还要掌握奥秘。

“创意是流行音乐的生命力”

记者：有时人们会感叹，听歌的渠道越来越多，但“听”的新歌并不多。回顾中国流行音乐的发展历程，许多流行作品流传至今，至今仍广受欢迎。你认为这些作品有什么特点？它们的古典性来自哪里？当前流行音乐创作需要改进哪些方面？

李：经典需要时间沉淀，需要更多的人来唱，需要更多的人来检验。

古典是多元的。有时它是某种情感的流行，它的沉淀和歌唱是一种记录。有时，它是一种一般情绪的沉淀，不会随着时间的推移而改变。真正能让音乐流行并成为经典的作品都是表达人类共同情感或情感的。

金：能够流传下来的流行音乐作品往往有三个特点，即鲜明的时代气息和生活气息，较高的艺术水平，广为接受和喜爱的流行性，从而形成了流行音乐的古典性。

创新态度决定创新水平。一首歌可以打磨和修改半年甚至更长时间。例如，《孤独使我如此美丽》，第17版仅对配器进行了修改。许多作品都在修改闪点的形成。歌手的严肃性也决定了音乐的水平。为什么现在有些歌手走调了？因为我在录音室只录了一两次，然后一句一句地修改。没有严格的训练，我从头到尾都不会唱歌。流行音乐不是一夜成名的投机天堂。所有违反艺术规律的行为都不会持续很久。

创作心态决定着创作的质量。音乐家不应该忘记他们的初衷。他们应该用对音乐的热爱和对生活的强烈感情来创作。有些歌曲会有一个沉淀期，一段时间后就会流行起来。要冷静，多有“无意”的心态，少有“有意种花”的功利主义。

记者：在信息密集的互联网时代，“人气”的衡量标准发生了变化。有人认为当前流行音乐中存在“多歌少精品”的现象。你同意吗？这是否与互联网给流行音乐传播带来的变化有关？面对新的环境和挑战，流行音乐创作又出现了哪些新的问题？

金：“大众化”的标准已经改变，音乐消费重心的时代已经到来。然而，评判经典和精品的标准并没有改变，即在思想上和艺术上有所突破和创造。

过去，流行音乐由唱片公司审核，优秀作品由编辑评选。现在是“民族创造”。在线音乐制作没有专业的把关人。门槛降低了，音乐的输出急剧增加，被听到和记住的概率也在下降。有人认为精品店少是因为有太多合格的线下作品和太多短命的“在线流行音乐”。互联网上有许多作文模块，如果有现成的节奏，就可以应用这些模块。但如何将歌词与旋律有机结合，如何创新艺术表现力，这些问题一直没有得到解决。最重要的是，这样的作品没有酝酿和打磨，缺乏个性化的表达，无法产生共鸣。Pop不是装配线。流行音乐是“每个人心中都有，但写作中却什么都没有”的突破。创意是它的生命力。

李海英：互联网时代，平台更丰富，观众更审美，音乐制作的硬件水平更高。然而，流行音乐的发展需要创作主体进一步增强其独创性。

目前，一些年轻的音乐家更愿意成为“工蜂”。例如，写作和创作、风格和定位都是固定写“命题音乐”。笔者认为，创作者应该从音乐本体出发，保持创作意识和主体意识。我们应该有创作的抱负和使命感，也就是说，我们应该下定决心创作出更多人接受和喜爱的、能够流行甚至传播的作品，而不是制作音乐的商业产品。

李：音乐的标准永远不会降低，因为它很容易传播。相反，由于人数众多，人们听好音乐的机会更少。近年来，网络和电视音乐综艺节目已成为新手走向大众传播视野的途径之一。然而，人们发现这些歌曲在各种节目中反复出现，暴露出优秀原创作品的缺乏。

“歌词与歌曲应相辅相成，塑造艺术形象”

记者：在你看来，什么是理想的关系，文字，歌曲和歌唱？从你自己的创作和观察中，你能与音乐创作者和表演者分享什么经验？

傅：流行音乐创作不能沉浸在自己的“小世界”。把握真实的音乐语言，从生活中寻求灵感、艺术和艺术。

从作曲的角度来看，要把歌词表达得生动、准确，就需要了解作品的主题和艺术风格。写《地道战》这首歌的时候，我是在北京写的初稿，比较平淡，我不是很满意。后来，我到河北冉庄、李庄实地考察，体验了一个月的生活，与打过隧道战的老兵们面对面交谈。隧道战的画面逐渐浮现——他们穿过磨盘和炉子下面的墙，从庄稼地里出来。。。一天，我走到村子的一边，看着对面的庄稼地。突然，我的脑海里浮现出：“隧道战，嘿，隧道战，伏击数百万魔法战士……”我匆匆赶回家乡，立即写下了这首歌。

李：歌词和歌曲要相辅相成，塑造艺术美的形象。当我写《弯月》时，我先作曲，然后作词。我的初衷是描述美丽的珠江三角洲。我从丹家的水上生活场景中取材。那时，我们需要乘船过河。如果我们错过了电动船，我们只能乘小船。我们的船是双桨的。赛艇的声音不同于江南的单桨，所以我把独特的赛艇声音直接带入了歌曲的开头。夜空、水、船、月亮，这些影像都是沉淀在我心中的情感记忆。灵感不会向我们招手。创作者不断地生活、学习、写作，保持着勤奋、扎实的创作状态。

李：在我看来，诗歌和音乐的结合就像一对情侣，要想产生真正的化学效应，就需要意气相投。有时，他们不会说脏话或糟糕的旋律，但他们找不到合适的人，他们都在等待一场比赛。

每当我写一首歌，我总是问自己：我到底想表达什么？如何表达？大多数主题都是以前写过的，创作者只是在寻找自己的视角和音乐词汇。如果没有表达的方式，就没有表达的意义。我们应该逐步探索自己的创作风格。例如，旋律的书写和对单词和句子的思考可以在任何方面呈现出所谓的“独特性”。风格不能固定，而是自然形成。

创作的源泉来自四面八方，阅读和旅行意味着广阔的空间。但毕竟，创造者自己应该对周围环境有一些经验和洞察力。

金：歌曲要有画龙点睛，歌词要捕捉生活的动态，表达大众的心态。最感人的句子应该简洁、有力、口语化，这样人们听一次就可以把它写下来。例如，“时间到哪里去了”？对于不同的环境和不同的人，“时间到哪里去了”值得思考。在当今快节奏的生活中，很容易引起公众的热烈讨论。

记者：近年来，“中国风”已成为流行歌曲创作的一种趋势，如诗歌的运用、民族乐器的运用、传统民歌小调的借鉴与融合等。流行音乐如何更好地挖掘和利用民族文化和音乐传统？

金：民间音乐是“根”音乐。谁有深厚的基础，谁就有更大的发展空间。2003年，一位外国音乐学家告诉我，“21世纪的世界音乐是中国的”。因为中国流行音乐的根是民族民间音乐，有着丰富的资源。

运用民间音乐的关键是发展。例如，将华阴老腔与摇滚乐结合在一起的《华阴老腔一喊》，以及将流行、歌剧和艺术流行歌曲结合在一起的《左手指月亮》，都是结合现代音乐技术或其他音乐类型重新创作的。

我们要正确认识“越是民族，越是世界”。我们也要注意使用大家都能理解的音乐语言进行创作，善于运用现代流行音乐在旋律、和声、节奏等方面的创作成果，以及电子音响和计算机制作技术，把好的资源转化为好的作品。